Französischer Text unten
ART'S COOL präsentiert "Happy Views", eine Reise in das Herz einer privaten Kunstsammlung. Begleiten Sie uns heute auf unserer Entdeckungsreise durch die Nestlé-Sammlung! Diese Kunstsammlung ist eines der wichtigsten Kulturgüter der Region und umfasst Werke von renommierten Künstlern aus dem 16. bis 21.
Heute setzen Clélie und Lei ihre Erkundungstour fort und schließen sie in den verborgenen Lagern der Nestlé-Kunstsammlung ab, wo sie auf ein Gemälde stoßen, das sowohl auffallend ausdrucksstark als auch geopolitisch aufgeladen ist.
RENÉ CIOCCA: Nun müssen wir das alte Gebäude durchqueren und in das sogenannte E-Gebäude gehen, das zwei Stockwerke unter dem Erdgeschoss liegt. Dort lagern wir die Nestlé Art Collection. Nicht viele Menschen haben diesen Ort gesehen, daher ist es ein bisschen wie ein Privileg. Es ist, als würde man hinter die Kulissen gehen.
LEI: Ich kann nicht warten. Los geht's!
RENÉ CIOCCA: Willkommen in Level Minus Two. Wie Sie sehen können, sieht es hier nicht so aus wie im Rest des Gebäudes: Es gibt keine Fliesen oder Gemälde. Es ist ein sehr technischer Raum. Sie werden ein lautes Geräusch hören, weil der Bereich unter Alarm steht; es wird etwa eine Minute dauern. Warten Sie also ab, bis es aufhört.
Okay. Das ist das zweite Kunstwerk, das ich Ihnen zeigen möchte.
CLÉLIE Ich erinnere mich daran, dass ich diesen irgendwo im Gebäude in einem Korridor gesehen habe. Es ist definitiv nicht mein Favorit. Für mich liegt er irgendwo zwischen Kunst und Geografie: Er erinnert mich an die Schule, und das nicht auf gute Art und Weise! Es bringt Erinnerungen an das Auswendiglernen von Ländern, Flaggen und dergleichen zurück...
LEI: Ich habe dieses Stück noch nie zuvor im Gebäude gesehen. Dies ist mein erstes Mal, dass ich es persönlich sehe. Ich hatte zuvor nur ein Foto davon gesehen, aber es sieht ganz anders aus, wenn man es näher betrachtet. Es ist nicht wirklich ein Gemälde: Es fühlt sich eher wie ein Teppich oder ein Wandteppich an. Interessant ist, dass auf dieser globalen Karte so viele Flaggen und Länder abgebildet sind, aber nicht genau so, wie wir die Welt heute sehen. Manche Flaggen sind national, andere vielleicht nicht. Es fühlt sich auf jeden Fall sehr stark an, als ob es eine politische Bedeutung dahinter hätte.
Und es ist auffällig, dass einige der Landmarken nicht wirklich ihrer tatsächlichen Form oder Größe entsprechen.
CLÉLIE Es gibt sehr viel Rot, das fängt Ihre Augen ein. Große Flächen aus fester Farbe. Dann gibt es einen ganzen Kontinent mit vielen anderen Farben. An den Rändern sind Botschaften geschrieben; Sie können Namen wie "Afghanistan" lesen, aber andere sind schwer zu entziffern oder zu verstehen.
RENÉ CIOCCA: Um Ihnen einen etwas größeren Zusammenhang zu geben: Dies ist eines der wertvollsten Stücke in unserer Sammlung. Wenn wir von Kunstwerken sprechen, die sich in einem Museum befinden, ist dies definitiv eines davon. Es ist Teil der Arte Povera Bewegung, die in den 1960er Jahren in Norditalien begann. Sie entstand als Reaktion auf die Konsumgesellschaft zur gleichen Zeit, als in den USA die Pop-Art aufkam.
Zu diesem Wandteppich von Alighiero Boetti gibt es viel zu sagen, aber hier ist etwas Interessantes: Der Künstler hat ihn nie wirklich berührt. Er gab es in Auftrag, aber er hat es vielleicht nie gesehen, als es fertig war. Was denken Sie?
LEI: Warte, er beendete es und sah es nie?
RENÉ CIOCCA: Ja. Er gab den Handwerkern in Afghanistan Anweisungen, aber er selbst machte das Stück nicht oder stellte es nicht einmal fertig. Er würde ihnen ein Briefing geben und sie es interpretieren lassen. Sie fertigten mehrere solcher Wandmalereien an. Für ihn war es immer eine Überraschung. Das gefiel ihm an dieser Serie.
CLÉLIE Können Sie mir mehr sagen? Ich habe das Gefühl, dass ich ein wenig Hilfe brauche, um es zu verstehen.
THE ARTWORK (Erzählung): Hallo, mein Name ist "Mappa" (it means map in Italian). Ich wurde 1983 geboren und von den Händen meines Herstellers, des italienischen Künstlers Alighiero Boetti, gezeichnet. Ich bin ein Wandteppich, 115 cm breit und 170 cm hoch.
RENÉ CIOCCA: Alle Münzen in der "Mappa" serien sind unterschiedlich. Die Welt ist immer in Bewegung, Länder und Flaggen ändern sich. Wenn Sie also vor einer stehen, müssen Sie sich vorstellen, dass es ".Mappas" überall auf der Welt, die ähnlich aussehen-aber keine sind genau gleich.
CLÉLIE Was René gerade gesagt hat, beeindruckt mich wirklich. Es erfasst, was Kunst tun sollte; es hat eine Vision, es vermittelt eine starke Botschaft und es lässt die Menschen reflektieren. Aber es gibt auch diese künstlerische Dimension. Es ist schön, von Hand gefertigt. Ich stelle mir vor, wie Boetti nach den besten Handwerkern sucht, um seine Vision zu verwirklichen. Selbst der Kontrast zwischen Italien und Afghanistan ist kraftvoll, sogar politisch. Es ist sehr kohärent. Die Tatsache, dass das Werk irgendwo anders hergestellt wird, ist Teil der Botschaft.
DER KUNSTEXPERTE: Alles, was Sie in diesem Werk sehen können, ist wirklich interessant!
Für jede seiner Mappen präsentiert Alighiero Boetti den Umriss einer Weltkarte auf einer Leinwand, bevor er der Karte Farben hinzufügt, die auf der Nationalflagge jedes Landes basieren, und schließlich die Produktion dieser Weltkarten delegiert. Wieder einmal taucht der Begriff der Reproduktion, der Wiederholung, auf. In der Kunstgeschichte wird dies als "Aneignung" bezeichnet, wobei Boetti sich die Mercator-gezeichnete Weltkarte aneignet.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Künstlerin die Schaffung eines Motivs delegiert, nachdem sie dieses Motiv aus einem vorhandenen Bild entnommen hat. An diesem Punkt könnten wir uns fragen, was genau die Künstlerin tut, außer sich um die Aufgaben des Haushalts zu kümmern. Ist das alles, was es gibt? Wir werden uns in Kürze ausführlicher mit dieser Frage befassen.
1971, während seiner zweiten Reise nach Afghanistan, beauftragte Alighiero Boetti zum ersten Mal afghanische Handwerkerinnen mit der Herstellung eines Wandteppichs auf der Grundlage eines seiner Leinwandgemälde. Sie hörten es richtig: Der Künstler beauftragte Handwerkerinnen mit der Ausführung der Arbeit. Boetti war kein Begründer ausgefeilter künstlerischer Techniken. Als Teil der Arte-Povera-Bewegung wollte er zu einer Form der Einfachheit zurückkehren, die dem Handwerk ähnelt. Und Weben, das nicht als hohe Kunstform galt, entsprach diesem Streben.
Wir müssen über die Karten im Kontext ihrer Zeit nachdenken. Damals gab es kein GPS und keine Google Maps, sondern nur die Mercator- oder Peters-Maps, die an den Klassenzimmerwänden hingen.
Boetti nimmt die populärste Darstellung der Welt aufs Korn, die jeder wiedererkennt. Sein Ansatz beinhaltet jedoch einen subtilen Twist, denn Boetti wechselt die Farben jedes Mal. Auf diese Weise zeigt uns der Künstler, dass die Welt sich ständig weiterentwickelt. Und er hat Recht: Viele der Bereiche auf der Mappa, wie zum Beispiel der riesige Block, der die USSR bedeckt, sind verschwunden.
Indem er diese Karten in Museumsstücke verwandelt, hebt Boetti hervor, wie der Westen die Welt repräsentiert. Er demonstriert, dass jede Darstellung der Welt ein fiktionales Konstrukt der Realität ist.
Lassen Sie uns schließlich einen genaueren Blick auf die Ränder des Werks werfen. Hier haben wir italienischsprachige Sätze, die von Boetti geschrieben wurden - oft mit Bezug auf das Datum und den Ort der Produktion - neben persischen Texten, die Boetti zunehmend den Handwerkerinnen überließ. Alighiero Boetti liebte das Spiel mit Wörtern, Sprache und Poesie.
CLÉLIE Es war so bereichernd, in diese beiden Räume einzutauchen. I had once done a short tour and told René we should treat this place like a real museum; there's so much to discover. Ich könnte nicht glücklicher sein, diese Zeit verbracht und so viel mehr gelernt zu haben. Thank you, René, for making this possible!
LEI: Ich gehe jeden Tag an diesen Kunstwerken vorbei. Heute war etwas ganz Besonderes! Ich konnte sie tiefer erkunden, während René uns geführt hat. Ich hoffe, wir können diese Reise fortsetzen. Also René, wann ist unser nächster Besuch in den Nestlé Museum?
RENÉ CIOCCA: Sie sind jederzeit herzlich willkommen! Es ist ein großes Vergnügen, diese Kunstwerke durch die Augen anderer zu sehen. Das ist es, wofür die Kunst steht: Perspektiven zu teilen. Ich lerne immer etwas Neues, wenn jemand anfängt zu beschreiben, was er sieht. Ich danke Ihnen beiden für Ihre Einblicke in diese beiden Kunstwerke.
ART'S COOL, aka "Kunst ist cool"! Ein informelles Get-Together rund um zeitgenössische Kunst, bei dem neugierige Köpfe auf einzigartige Kunstwerke treffen. Einfach, richtig?
Von Zeit zu Zeit nimmt ART'S COOL Sie mit auf eine "HAPPY VIEWS"-Erfahrung. Und das war heute der Fall mit Clélie und Lei, die sich über das Kunstwerk "Mappa" von Alighiero Boetti unterhielten.
Diese Kunstwerke sind Teil der Nestlé Art Collection.
Kommentare zu ihnen kamen von René Ciocca, Head of Corporate Identity & Design bei Nestlé, und Julie Enckell Julliard, Head of Cultural Development bei HEAD.
Mit den Stimmen von René Ciocca, Nicolas Julliard, Ellen Ichters und Andrew Nimmo.
Fotos der Kunstwerke sowie Porträts der Mitwirkenden dieser Episode finden Sie unter www.artscool.ch.
Konzept und Produktion von Patrick Comte, Florence Grivel, und Nadja Imhof.
Englische Übersetzung und Erzählung von Andrew Nimmo.
Musik und Sounddesign von Christophe Gonet.
Diese Episode wurde dank der großzügigen Unterstützung von Nestlé produziert und ausgestrahlt.
Es ist eine Young Pods Produktion.
ART'S COOL präsentiert "Happy Views", eine Reise in das Herz einer privaten Kunstsammlung. Begleiten Sie uns heute auf unserer Entdeckungsreise durch die Nestlé-Sammlung! Die Sammlung ist eines der Juwelen des Kulturerbes der Region und umfasst Werke berühmter Künstler aus dem 16. bis 21.
Heute beginnen Clélie und Lei ihre Entdeckungsreise mit einem abstrakten Werk des Schweizer Künstlers Alain Huck. Dabei achten sie besonders auf die Seiten des Gemäldes, die geheimnisvolle Spuren tragen.
CLÉLIE Hallo! Ich bin Clélie und arbeite in der Abteilung für öffentliche Angelegenheiten bei Nestlé.
LEI: Hallo an alle! Ich bin Lei, ich komme aus China und arbeite in der Geschäftsentwicklung für Nestlé China.
CLÉLIE Wir befinden uns gerade in der Haupthalle des Hauptsitzes von Nestlé in Vevey. Wir sind mit René Ciocca verabredet, der bei Nestlé für visuelle Identität und Design zuständig ist.
LEI: Das ist es. Heute wird er uns durch das Gebäude führen, um zwei Werke aus der Kunstsammlung von Nestlé zu entdecken.
RENÉ CIOCCA: Hallo, ich bin René Ciocca, verantwortlich für die visuelle Identität, das Design und die Kunstsammlung! Ich freue mich, Ihnen einige der wichtigsten Stücke aus dieser Sammlung zeigen zu können. Aber zunächst einmal: Sind Sie kunstinteressiert? Welche Rolle spielt sie in Ihrem Alltag bei Nestlé?
LEI: Ich bin wirklich beeindruckt von den Werken, die sich in dem Gebäude befinden. Für diejenigen, die den Hauptsitz von Nestlé nicht kennen: Es ist ein riesiger Raum und ich denke, dass ohne diese Sammlung etwas fehlen würde. Kunst bringt Leben und Energie in unsere Tage.
CLÉLIE Ich besuche ab und zu Ausstellungen. Zum Beispiel habe ich kürzlich die Ausstellung über Matisse in Bern gesehen. Ich bin keine Expertin, aber ich entdecke sehr gerne Neues, vor allem wenn hier bei Nestlé Besuche organisiert werden.
RENÉ CIOCCA: Wie Sie vielleicht bemerkt haben, werden viele Kunstwerke im Gebäude ausgestellt. Es gibt aber auch Skulpturen im Freien, in den Gärten und sogar in einigen öffentlichen Bereichen. Was glauben Sie, wie viele Stücke die Kunstsammlung von Nestlé umfasst?
LEI: Nach dem, was ich im Gebäude gesehen habe, würde ich sagen, 200... Aber ich habe von einem Keller voller Kunstwerke gehört... also vielleicht 2'000?
CLÉLIE Ich würde sagen, 1'000. Ich weiß, dass die Sammlung schon vor langer Zeit begonnen wurde, aber das ist nur eine Schätzung.
RENÉ CIOCCA: Nicht schlecht! Die Sammlung umfasst etwa 350 Werke. Das ist nicht viel, aber immerhin eine beachtliche Anzahl. Einige davon sind hier ausgestellt, andere werden an das Jenisch-Museum ausgeliehen, wo sie der Öffentlichkeit zugänglich sind.
Und wie Sie bereits erwähnt haben, gibt es auch ein Lager, in dem wir die nicht ausgestellten Werke aufbewahren. Da wir uns in der Haupthalle befinden, schlage ich vor, dass wir mit der Führung beginnen. Heute werden wir zwei Werke sehen: Eines befindet sich im Lagerraum und das andere im fünften Stock. Folgen Sie mir!
Hier befinden wir uns im fünften Stock, im sogenannten Gebäude B. Von hier aus haben wir einen wunderbaren Blick auf das Jean-Tschumi-Gebäude. Es ist ein wahres architektonisches Juwel. Direkt hinter uns sehen Sie eine Struktur, die im Februar von dem Büro Richter & Dahl Rocha entworfen wurde. Ihre Idee war es, das Tschumi-Gebäude wie ein eigenständiges Kunstwerk zu rahmen.
Hier gibt es eine große Fensterfront, die den Blick auf die Landschaft, den Innenhof und das mit der Schweizer Flagge geschmückte Gebäude freigibt. Doch nun gehen wir in die andere Richtung, um das heutige Ausstellungsstück im Forum zu entdecken.
Wir sehen hier ein Werk von Alain Huck. Was denken Sie darüber? Was inspiriert Sie?
LEI: Ehrlich gesagt, ist sie mir fast nie aufgefallen! Ich gehe fast jede Woche durch diesen Flur, und ich weiß nicht, warum ich ihm nie Beachtung geschenkt habe. Jetzt, wo ich sie wiederentdeckt habe, fällt mir auf, dass sie perfekt in den Raum passt.
CLÉLIE Ja, das ist wirklich interessant. Es gibt zwei Streifen - einen roten und einen eher orange-braunen. Ich mag den glänzenden Effekt sehr, es reflektiert das Licht der Fenster. Außerdem gefällt mir, dass es keinen Rahmen gibt. Wenn man ankommt, sieht man an der Seite Spuren: Ich weiß nicht, wie ich es genau sagen soll... Spuren von der Farbe.
Es ist ein Werk, das man von vorne, aber auch von der Seite betrachten kann. Ich kenne diesen Raum gut und weiß, dass es hier auch andere Werke gibt, die viel figurativer sind. Daher kann ich mir vorstellen, René, dass Sie diese Wahl mit einer bestimmten Absicht getroffen haben. Meine Frage ist: Warum haben Sie gerade diesen Ort gewählt? Ich weiß, dass es sich um einen neu renovierten Raum handelt, daher nehme ich an, dass Sie sich die Einrichtung gut überlegt haben.
RENÉ CIOCCA: Ja, genau. Jedes Mal denken wir darüber nach, wie das Werk mit dem Raum in Dialog tritt. Hier gibt es eine Holzwand mit vertikalen und horizontalen Linien, und Hucks Gemälde spielt ebenfalls mit dieser Zweiteilung.
Direkt daneben befindet sich ein Werk von Olivier Mosset, das aus zwei grünen Linien auf grauem Hintergrund besteht. Es gibt also einen echten Dialog zwischen den beiden. Und mir gefällt Ihre Bemerkung, dass man Alain Hucks Gemälde nicht nur von vorne betrachten kann. Es enthüllt noch etwas anderes an den Seiten. Vielleicht können Sie beschreiben, was Sie aus dieser Perspektive sehen?
CLÉLIE Auf der Seite sieht man verschiedene Farben: Gelb und Blau, die von vorne gar nicht zu sehen sind. Das ist erstaunlich! Und jetzt denke ich: Hat das etwas zu bedeuten? Vielleicht ist die Botschaft: "Ich zeige dir, was ich dir zeigen will, aber da ist noch etwas anderes dahinter". Das ist jedenfalls meine Interpretation.
RENÉ CIOCCA: Es ist eine sehr schöne Lektüre. Diese Serie von Alain Huck ist in aufeinanderfolgenden Schichten aufgebaut. Er malt eine Schicht, dann eine weitere darüber und lässt absichtlich die Spuren der unteren Schichten an den Seiten sichtbar. Dadurch entstehen zwei Betrachtungsweisen: eine frontale und eine seitliche.
Wenn man in den Gang kommt, entdeckt man zuerst die Seite, die etwas anderes als die Hauptseite enthüllt. Das ist das Interessante daran. Und aus technischer Sicht verwendet er synthetischen Lack - wie bei Autokarosserien. Das ist ein sehr glänzender Lack, der aber auch sehr widerstandsfähig ist.
Das ist hier wichtig, weil es viel natürliches Licht im Gebäude gibt. Man muss darauf achten, dass die Kunstwerke nicht durch das Licht beschädigt werden. Und in diesem Fall ist die verwendete Farbe nicht nur vor direkter Sonneneinstrahlung geschützt, sondern auch sehr robust, selbst wenn sie etwas Licht abbekommt.
LEI: Ich finde es wirklich interessant, wie viel Technik hinter diesem Werk steckt. Können Sie mehr dazu sagen?
DAS WERK: Hallo! Ich heiße "Ohne Titel". Ich bin ein Gemälde, das mit synthetischem Lack auf Leinwand gemalt wurde. Ich wurde von dem Schweizer Künstler Alain Huck zwischen 1994 und 2000 geschaffen. Ich bin 65 cm x 73 cm groß.
CLÉLIE Es ist wirklich faszinierend, wie viel Zeit man für die Erstellung eines Buches braucht. Normalerweise haben wir ein Jahr, aber jetzt sind es fast sechs Jahre! Hat er jedes Jahr eine neue Schicht hinzugefügt? Warum hat es so lange gedauert?
RENÉ CIOCCA: Das ist eine sehr gute Frage! Ich kann es nicht mit Sicherheit beantworten, aber ich stelle mir vor, wie er in seinem Atelier mit mehreren quadratischen Leinwänden steht, eine Schicht hinzufügt, sie trocknen lässt, sie monatelang beiseite legt und dann wieder zurückkommt. Das ist ein langer, iterativer Prozess. Und er hat in dieser Serie mehrere davon produziert.
DER EXPERTENKOMMENTAR: Das ist ein spannender Austausch.
Und das mit den übereinander liegenden Farbschichten ist interessant. Eigentlich gehen alle Maler so vor, aber im Allgemeinen sieht man es nicht. Man weiß zum Beispiel, dass Gustave Courbet, der die letzten Jahre seines Lebens in der Region, in La Tour-de-Peilz, verbrachte, seine Gemälde oft übermalte. Er bügelte Details aus, ein Arm sollte länger sein, eine Hand geschlossen statt offen, etc. Man kann diese Genealogie des Werks entdecken, indem man ein Röntgenbild anfertigt. Genau wie bei unserer Lunge!
Auch Alain Huck bügelt über sein Gemälde. Aber im Gegensatz zu Courbet lässt er die Geheimnisse der Herstellung sichtbar werden. Hier braucht man keine Infrarotlampe, denn die Risse auf dem Rand reichen aus, um zu zeigen, dass das Gemälde mehrere Leben hatte. Und genau das ist es, was den Künstler interessiert: Lebensmomente übereinander zu stapeln. Alain Huck trägt keine Farbe auf die Leinwand auf, um sich inspirieren zu lassen oder ein bestimmtes Projekt zu verfolgen. Stattdessen legt er eine Spielregel fest: Lebensereignisse - ein Treffen mit einem Freund, eine Mahlzeit, ein Satz aus einem Gespräch usw. - lösen eine neue Farbschicht aus. Alain Huck ist nicht mehr der Herr an Bord! Er überlässt die Entwicklung seines Werks den Zufällen des Alltags. Man könnte sagen, dass er auf diese Weise die Geste des Malers entweiht. Er macht sie zu einer kollektiven, aber auch zu einer sich wiederholenden, "banalisierten" Geste.
Die Serie von Gemälden von Alain Huck heißt "Peintures". Es ist ein allgemeines Wort, das den Akt des Malens in seiner unpersönlichsten Form bezeichnet. Man könnte sagen, dass Alain Hucks "Peinture" mit dieser Spannung spielt: Auf der einen Seite gibt es diesen Lack, der den Eindruck erweckt, dass das Gemälde die Zeit überdauert, ohne sich jemals aus der Ruhe bringen zu lassen. Der Künstler verwendet einen industriellen Lack. Er ist glatt und glänzend, fast wie die Karosserie eines Autos! Der Lack könnte von jedermann aufgetragen worden sein. Auf der anderen Seite zeigen die Abdrücke auf dem Rand die Hintergründe der Herstellung und versetzen das Werk in das persönliche Leben des Malers.