Texte français ci-dessous
ART’S COOL presents « Happy Views », a journey into the heart of a private art collection. Join us today as we explore the Nestlé Collection! This art collection is one of the region’s key heritage assets, featuring works by renowned artists from the 16th to the 21st century.
Today Clélie and Lei resume and conclude their exploration in the hidden storage of the Nestlé Art Collection, where they encounter a painting that is both strikingly expressive and geopolitically charged.
RENÉ CIOCCA: Now we need to cross the old building and head to what we call the E Building, two floors below ground level. That’s where we store the Nestlé Art Collection. Not many people have seen this place, so it’s a bit of a privilege. It’s like going behind the scenes.
LEI: I can’t wait. Let’s go!
RENÉ CIOCCA: Welcome to Level Minus Two. As you can see, it doesn’t look like the rest of the building: no carpets or paintings here. It’s a very technical space. You’ll hear a beeping noise because the area is under alarm; it’ll last about a minute. So let’s wait for it to stop.
Okay. This is the second artwork I want to show you.
CLÉLIE: I remember seeing this one in a corridor somewhere in the building. It’s definitely not my favorite. For me, it’s somewhere between art and geography: it reminds me of school, and not in a good way! It brings back memories of memorizing countries, flags, that kind of thing…
LEI: I’ve never seen this piece in the building before. This is my first time seeing it in person. I had only seen a photo of it before, but it looks completely different up close. It’s not really a painting: it feels more like a carpet or a tapestry. What’s interesting is that there are so many flags and countries represented on this global map, but not exactly like how we see the world today. Some flags are national, others maybe not. It definitely feels very strong, like it has some political meaning behind it.
And it’s striking that some of the landmasses don’t really match their actual shape or size.
CLÉLIE: There’s a lot of red; it really catches your eye. Big areas of solid color. Then there’s a whole continent with lots of other colors. Around the edges, there are written messages; you can read names like “Afghanistan,” but others are hard to decipher or understand.
RENÉ CIOCCA: To give you a bit more context: this is one of the most valuable pieces in our collection. If we talk about artworks that belong in a museum, this is definitely one of them. It’s part of the Arte Povera movement, which started in the 1960s in Northern Italy. It emerged as a reaction to consumer society, at the same time that Pop Art was rising in the U.S.
There’s a lot to say about this tapestry by Alighiero Boetti, but here’s something interesting: the artist never actually touched it. He commissioned it, but he may have never even seen it when it was finished. What does that make you think?
LEI: Wait, he finished it and never saw it?
RENÉ CIOCCA: Yes. He gave instructions to artisans in Afghanistan, but he didn’t make or even finalize the piece himself. He would give them a briefing and let them interpret it. They made several tapestries like this. For him, it was always a surprise. That’s what he liked about this series.
CLÉLIE: Can you tell me more? I feel like I need a bit of help understanding it.
THE ARTWORK (Narration): Hello, my name is “Mappa” (it means map in Italian). I was born in 1983, crafted by the hands of my maker, the Italian artist Alighiero Boetti. I am a tapestry, 115 cm wide and 170 cm tall.
RENÉ CIOCCA: All the pieces in the “Mappa” series are different. The world is always evolving, countries and flags change. So when you’re in front of one, you have to imagine there are “Mappas” all over the world that look similar—but none are exactly the same.
CLÉLIE: What René just said really strikes me. It captures what art should do; it has a vision, it communicates a strong message, and it makes people reflect. But there’s also this artistic dimension. It’s beautiful, crafted by hand. I imagine Boetti searching for the best artisans to carry out his vision. Even the contrast between Italy and Afghanistan is powerful, political, even. It’s very coherent. The fact that the work is made somewhere else is part of the message.
THE ART EXPERT: Everything that you can see in this work is really interesting!
For each of his Mappe, Alighiero Boetti presents the outline of a world map on a canvas before adding colours to the map based on the national flag of each country and, finally, delegating the production of these world maps. Once again, we see the notion of reproduction, of repetition, emerge. This is known as “appropriation” in art history, with Boetti appropriating the Mercator-drawn map of the world.
To sum up, the artist delegates the creation of a motif, having borrowed that motif from an existing image. At this point, we might ask ourselves what exactly the artist is doing, other than taking care of the menial tasks. Is that all there is to it? We’ll deal with this question in more detail very shortly.
In 1971, during his second trip to Afghanistan, Alighiero Boetti commissioned Afghan craftswomen for the first time to produce a tapestry based on one of his canvases. You did hear it right: the artist commissioned craftswomen to carry out the work. Boetti was not fond of sophisticated artistic techniques. As part of the arte povera movement, he wanted a return to a form of simplicity akin to artisanship. And weaving, which was not regarded as a high art form, was in line with this quest.
We need to think of the maps within the context of their time. Back then, there was no GPS and no Google Maps—only the Mercator or Peters maps that hung on classroom walls.
Boetti tackles the most popular representation of the world, the one that everyone recognises. Yet his approach does include a subtle twist in that Boetti changes around the colours every time. In doing so, the artist shows us that the world is constantly evolving. And he’s right: many of the areas on the Mappa, such as the enormous block covering the USSR, have disappeared.
By turning these maps into museum pieces, Boetti highlights how the West represents the world. He demonstrates that every representation of the world is a fictional construct of reality.
Lastly, let’s take a closer look at the work’s edges. Here, we have Italian-language phrases written by Boetti—often referencing the date and place of production— juxtaposed with Persian texts, which Boetti increasingly left to the craftswomen. Alighiero Boetti loved playing with words, language and poetry.
CLÉLIE: It’s been so enriching to dive into these two pieces. I had once done a short tour and told René we should treat this place like a real museum; there’s so much to discover. I couldn’t be happier to have spent this time and learned so much more. Thank you, René, for making this possible!
LEI: I walk past these artworks every day. Today was really special! Getting to explore them more deeply with René guiding us. I hope we can continue this journey. So René, when’s our next visit to the Nestlé Museum?
RENÉ CIOCCA: You’re welcome anytime! It’s such a pleasure to see these artworks through someone else’s eyes. That’s what art is for: sharing perspectives. I always learn something new when someone starts describing what they see. So thank you both for your insights into these two artworks.
ART’S COOL, aka « art is cool »! An informal get-together around contemporary art, where curious minds meet unique artworks. Simple, right?
From time to time, ART’S COOL takes you on a “HAPPY VIEWS” experience. And that was the case today with Clélie and Lei, who conversed about the artwork « Mappa » by Alighiero Boetti.
These artworks form part of the Nestlé Art Collection.
Commentary on them came from René Ciocca, Head of Corporate Identity & Design at Nestlé, and Julie Enckell Julliard, Head of Cultural Development at HEAD.
With the voices of René Ciocca, Nicolas Julliard, Ellen Ichters, and Andrew Nimmo.
You can see photos of the artworks as well as portraits of the contributors from this episode at www.artscool.ch.
Concept and production by Patrick Comte, Florence Grivel, and Nadja Imhof.
English translation and narration by Andrew Nimmo.
Music and sound design by Christophe Gonet.
This episode has been produced and broadcast thanks to the generous support of Nestlé.
It’s a Young Pods production.
ART’S COOL présente « Happy Views », un voyage au cœur d’une collection d’art privée. Rejoignez-nous aujourd’hui pour explorer la Collection Nestlé! Cette collection est l’un des joyaux patrimoniaux de la région, rassemblant des œuvres d’artistes renommés du XVIe au XXIe siècle.
Aujourd’hui, Clélie et Lei entament leur voyage de découverte avec une œuvre abstraite de l’artiste suisse Alain Huck, en prêtant une attention particulière aux côtés de la toile, qui portent des traces mystérieuses.
CLÉLIE: Bonjour! Je suis Clélie, je travaille au département des Affaires Publiques chez Nestlé.
LEI: Bonjour à tous ! Je suis Lei, je viens de Chine et je travaille au développement commercial pour Nestlé Chine.
CLÉLIE: Nous nous trouvons actuellement dans le hall principal du siège de Nestlé à Vevey. Nous avons rendez-vous avec René Ciocca, responsable de l’identité visuelle et du design chez Nestlé.
LEI: C’est ça. Aujourd’hui, il va nous guider à travers le bâtiment pour découvrir deux œuvres issues de la collection d’art de Nestlé.
RENÉ CIOCCA: Bonjour, je suis René Ciocca, responsable de l’identité visuelle, du design… et aussi de la collection d’art! Je suis ravi de vous faire découvrir quelques-unes des pièces phares de cette collection. Mais d’abord, êtes-vous sensibles à l’art? Quel rôle joue-t-il dans votre quotidien chez Nestlé?
LEI: Je suis vraiment impressionnée par les œuvres présentes dans le bâtiment. Pour ceux qui ne connaissent pas le siège de Nestlé, c’est un espace immense, et je pense que sans cette collection, il manquerait quelque chose. L’art apporte de la vie et de l’énergie à nos journées.
CLÉLIE: Je vais de temps en temps à des expositions. Par exemple, j’ai vu récemment celle sur Matisse à Berne. Je ne suis pas experte, mais j’aime beaucoup découvrir, surtout quand des visites sont organisées ici, chez Nestlé.
RENÉ CIOCCA: Comme vous l’avez sans doute remarqué, il y a beaucoup d’œuvres exposées dans le bâtiment. Il y a aussi des sculptures à l’extérieur, dans les jardins, et même dans certains espaces publics. À votre avis, combien de pièces composent la collection d’art de Nestlé?
LEI: D’après ce que j’ai vu dans le bâtiment, je dirais 200? Mais j’ai entendu parler d’un sous-sol rempli d’œuvres… alors peut-être 2’000 ?
CLÉLIE: Je dirais 1’000. Je sais que la collection a été commencée il y a longtemps, mais c’est juste une estimation.
RENÉ CIOCCA: Pas mal! La collection compte environ 350 œuvres. Ce n’est pas énorme, mais c’est déjà conséquent. Certaines sont exposées ici, d’autres sont prêtées au Musée Jenisch, où elles sont accessibles au public.
Et comme vous l’avez mentionné, il y a aussi une réserve où nous conservons les œuvres non exposées. Comme nous sommes dans le hall principal, je vous propose de commencer la visite. Aujourd’hui, nous allons voir deux œuvres: l’une est conservée dans la réserve, et l’autre se trouve au cinquième étage. Suivez-moi!
Nous voici au cinquième étage, dans ce que nous appelons le bâtiment B. D’ici, on a une vue magnifique sur le bâtiment Jean Tschumi. C’est un vrai bijou architectural. Juste derrière nous, vous voyez une structure conçue en février par le cabinet Richter & Dahl Rocha. Leur idée était de cadrer le bâtiment de Tschumi comme une œuvre d’art à part entière.
Il y a ici une grande baie vitrée qui donne sur le paysage, la cour intérieure, et le bâtiment orné du drapeau suisse. Mais allons maintenant dans l’autre direction, pour découvrir la pièce exposée aujourd’hui, dans le forum.
Nous sommes devant une œuvre d’Alain Huck. Qu’en pensez-vous? Qu’est-ce qu’elle vous inspire?
LEI: Honnêtement, je ne l’avais presque jamais remarquée! Je passe par ce couloir presque chaque semaine, et je ne sais pas pourquoi, je n’y avais jamais prêté attention. Maintenant que je la redécouvre, je me rends compte qu’elle est parfaitement en harmonie avec cet espace.
CLÉLIE: Oui, c’est vraiment intéressant. Il y a deux bandes — une rouge et une plutôt orange-brun. J’aime beaucoup l’effet brillant, ça reflète la lumière des fenêtres. Et j’apprécie aussi qu’il n’y ait pas de cadre. Quand on arrive, on peut voir sur le côté des traces: je ne sais pas comment dire exactement… des marques de la peinture.
C’est une œuvre qu’on peut regarder de face mais aussi de côté. Je connais bien cet espace, et je sais qu’il y a d’autres œuvres ici, beaucoup plus figuratives. Donc j’imagine, René, que vous avez fait ce choix avec une intention particulière. D’ailleurs, ma question est : pourquoi avoir choisi cet endroit en particulier? Je sais que c’est un espace récemment rénové, donc j’imagine que vous avez bien réfléchi à son aménagement.
RENÉ CIOCCA: Oui, exactement. À chaque fois, on réfléchit à comment l’œuvre dialogue avec l’espace. Ici, il y a un mur en bois, avec des lignes verticales et horizontales et la peinture d’Huck joue aussi sur cette division en deux.
Juste à côté, il y a une œuvre d’Olivier Mosset composée de deux lignes vertes sur fond gris. Il y a donc un vrai dialogue entre les deux. Et j’aime beaucoup votre remarque: la peinture d’Alain Huck ne se regarde pas uniquement de face. Elle révèle autre chose sur les côtés. Peut-être pouvez-vous décrire ce que vous voyez de ce point de vue?
CLÉLIE: Sur le côté, on voit des couleurs différentes: du jaune, du bleu qui n’apparaissent pas du tout de face. C’est surprenant! Et je me dis maintenant: est-ce que ça veut dire quelque chose? Peut-être que le message, c’est “je te montre ce que je veux te montrer, mais il y a autre chose derrière”. C’est mon interprétation, en tout cas.
RENÉ CIOCCA: C’est une très belle lecture. Cette série d’Alain Huck est construite en couches successives. Il peint une couche, puis une autre par-dessus, et laisse volontairement visibles les traces des couches inférieures sur les côtés. Cela crée deux manières de voir l’œuvre: une frontale et une latérale.
Quand on arrive dans le couloir, on découvre d’abord le côté, qui révèle autre chose que la face principale. C’est tout l’intérêt. Et d’un point de vue technique, il utilise de la laque synthétique — comme pour les carrosseries automobiles. C’est une peinture très brillante, mais aussi très résistante.
C’est important ici, car il y a beaucoup de lumière naturelle dans le bâtiment. On doit veiller à ce que les œuvres ne soient pas abîmées par la lumière. Et dans ce cas, la peinture utilisée est non seulement à l’abri du soleil direct, mais aussi très solide, même avec un peu de lumière.
LEI : Je trouve ça vraiment intéressant, toute la technique derrière cette œuvre. Est-ce que vous pouvez en dire plus?
L’ŒUVRE: Bonjour! Je m’appelle “Sans titre”. Je suis une peinture réalisée à la laque synthétique sur toile. J’ai été créée par l’artiste suisse Alain Huck, entre 1994 et 2000. Je mesure 65 cm sur 73 cm.
CLÉLIE: C’est vraiment intrigant, cette période de création. D’habitude, on a une année, mais là, presque six ans! Est-ce qu’il a ajouté une couche chaque année? Pourquoi ça a pris autant de temps?
RENÉ CIOCCA: Très bonne question! Je ne peux pas répondre avec certitude, mais je l’imagine dans son atelier, avec plusieurs toiles carrées, ajoutant une couche, laissant sécher, les mettant de côté pendant des mois… puis y revenant. C’est un processus long et itératif. Et il en a produit plusieurs dans cette série.
LE COMMENTAIRE EXPERT: Eh bien, ces échanges sont fort passionnants!
Et c’est intéressant, cette question des couches de peinture qui se superposent. En fait, tous les artistes peintres procèdent comme ça mais en général on ne le voit pas. On sait par exemple que Gustave Courbet, qui a passé les dernières années de sa vie dans la région, à la Tour-de-Peilz, repeignait beaucoup ses toiles. Il repassait sur des détails, un bras devait être plus long, une main fermée plutôt qu’ouverte, etc. On peut découvrir cette généalogie de l’œuvre en faisant une radiographie. Exactement comme quand on le fait pour nos poumons!
Alain Huck repasse lui aussi sur sa peinture. Mais contrairement à Courbet, il laisse voir les secrets de fabrication. Pas besoin de lampe infrarouge ici, les coulures qui se trouvent sur la tranche suffisent à indiquer que la peinture a eu plusieurs vies. D’ailleurs, c’est ça qui intéresse l’artiste: empiler des moments de vie les unes sur les autres. Alain Huck n’applique pas de couleur sur sa toile en fonction de son inspiration ou d’un projet précis. Mais il fixe une règle du jeu: ce sont les événements de la vie, une rencontre avec un ami, un repas, une phrase retenue d’une conversation, etc. qui déclencheront une nouvelle couche de peinture. Alain Huck n’est plus maître à bord! Il confie aux aléas du quotidien l’évolution de son œuvre. On peut dire qu’il désacralise, de cette manière, le geste du peintre. Il en fait un geste collectif, mais aussi répétitif, “banalisé”.
La série de toiles d’Alain Huck s’appelle “Peintures”. C’est un mot générique, qui désigne l’acte de peindre dans sa forme la plus impersonnelle. On pourrait dire que la Peinture d’Alain Huck joue sur cette tension : d’un côté, il y a ce vernis, qui donne l’impression que la peinture traverse le temps sans jamais se laisser perturber. L’artiste emploie une laque industrielle. C’est lisse et brillant, presque comme la carrosserie d’une voiture! La peinture pourrait avoir été faite par n’importe qui. De l’autre, les coulures sur la tranche dévoilent les coulisses de la fabrication replacent l’œuvre dans la vie personnelle du peintre.