Texte français ci-dessous
ART’S COOL presents « Happy Views », a journey into the heart of a private art collection. Join us today as we explore the Nestlé Collection! This art collection is one of the region’s key heritage assets, featuring works by renowned artists from the 16th to the 21st century.
Today Clélie and Lei begin their journey of discovery with an abstract artwork by Swiss artist Alain Huck, paying close attention to the sides of the canvas that bear mysterious traces.
CLÉLIE: Hello! I’m Clélie, and I work in the Public Affairs department at Nestlé.
LEI: Hi, everyone. I’m Lei. I’m from China and work in Business Development for Nestlé China.
CLÉLIE: We’re currently standing in the main hall of Nestlé’s headquarters in Vevey. We have an appointment with René Ciocca, Head of Corporate Identity and Design at Nestlé.
LEI: That’s right. Today, he’ll guide us through the building as we discover two artworks from the Nestlé Art Collection.
RENÉ CIOCCA: Hello, I’m René Ciocca, Head of Corporate Identity and Design, and of the Art Collection as well. I’m delighted to show you some highlights from our collection. First, let me ask: are you interested in art? What role does it play in your daily life at Nestlé?
LEI: I’ve been really impressed by the art throughout the building. For those who haven’t visited Nestlé’s headquarters before, it’s a massive place, and I think without the art, it would feel like something essential was missing. The collection adds life and vibrancy to the day.
CLÉLIE: I try to go to exhibitions from time to time. For example, I recently went to see the Matisse exhibition in Bern. But I’m no expert. I just enjoy visiting and learning, especially when we have opportunities here at Nestlé.
RENÉ CIOCCA: As you’ve probably noticed, we have a lot of artworks displayed throughout the building. There are also sculptures outside in the gardens and even in some public spaces. Can you guess how many pieces we have in the Nestlé Art Collection?
LEI: Just from what I’ve seen in the building, maybe 200? But I heard there’s a whole basement of artworks too: so maybe 2,000?
CLÉLIE: I’d guess around 1,000. I know the collection started a long time ago, but that’s just my rough estimate.
RENÉ CIOCCA: Not bad! The collection currently has around 350 pieces. So it’s not huge, but it’s significant. Some of the artworks are exhibited here in the building, and others are shared with the Musée Jenisch, where they’re shown in public exhibitions.
We also have a storage space for works that aren’t currently on display. As we’re here in the main hall, I suggest we begin our visit. Today, we’ll see two pieces: one is in storage, and the other is on the fifth floor. So please, follow me. We’re now heading to the fifth floor.
Here we are in what we call the B Building. From here, you have a fantastic view of the Jean Tschumi building. It’s quite something. Behind us, you can also see an architectural structure built in February by Richter & Dahl Rocha. Their idea was to frame the Tschumi building itself as a piece of art.
There’s a large window here that opens onto the landscape, the inner courtyard, and the building with the Swiss flag. But now, let’s head in the opposite direction to visit the forum where today’s featured painting is displayed.
We’re now standing in front of this artwork by Alain Huck. What do you think of it? What does it inspire in you?
LEI: Honestly, I had barely noticed it before! I pass through this area almost every week. I don’t know why, but I’ve overlooked it until now. But seeing it again, I realize this artwork actually fits the space perfectly. It really harmonizes with the corridor.
CLÉLIE: Yes, it’s super interesting. There are two bands: one red, one a sort of orangey brown. I like the glossy finish—it reflects the light from the windows beautifully. And I also appreciate the fact that it’s not framed. When you approach it, you can see these little marks on the side, I’m not sure how to say it in English, but traces of the painting process.
It’s a piece you can appreciate from the front and from the side. I know this area well, and I’ve seen other artworks here that are much more figurative. So I imagine, René, you had a specific intention behind placing this abstract work here. That’s actually my question: why did you choose this specific spot? I know it’s a newly renovated area, so I imagine a lot of thought went into it.
RENÉ CIOCCA: Absolutely. Every time we choose where to place a piece, we think carefully about how it relates to the space. Here, you have wooden paneling with vertical and horizontal structures; and Huck’s painting echoes that with its two-color composition.
Nearby, there’s also a painting by Olivier Mosset made up of two green lines on a grey background. So there’s a visual dialogue between the two. And I really liked your observation: Alain Huck’s painting is not just to be viewed from the front. The side is equally interesting. Maybe you can describe what you see from that angle?
CLÉLIE: From the side, you can see different colors, yellow and blue, that aren’t visible from the front. That surprised me! It makes me wonder: is there a message behind that contrast? Like, maybe the idea is “I’m only showing you what I want to show you; what’s behind isn’t visible unless you make the effort to look.” That’s my interpretation, at least.
RENÉ CIOCCA: That’s a great insight. This series by Alain Huck is built on layers. He painted over previous layers, letting the edges of older colors remain visible on the sides. It creates this dual perspective, you see one thing from the front, something else from the side.
When you walk down the corridor, you first encounter the painting from the side, which reveals something completely different than what you see head-on. That’s the beauty of it—a kind of hidden narrative. On the technical side, Huck used synthetic lacquer—the same kind used in car paint—because it’s very bright and durable.
That’s especially important here, because we have a lot of natural light in the building. We have to make sure the works we display won’t be damaged over time. This type of paint holds up well, even with some sunlight.
LEI: I find the technical side really interesting. Is there anything else you can share?
THE ARTWORK: Hi there. I’m called “Sans titre”. I’m a painting made with synthetic lacquer on canvas. I was painted by the Swiss artist Alain Huck between 1994 and 2000. I measure 65 centimeters by 73 centimeters.
CLÉLIE: That’s fascinating—the timeline. Usually, a painting has a year attached to it. But this one spans nearly six years. Did he work on one layer each year? Why did it take so long?
RENÉ CIOCCA: Great question! I can’t say for sure, but I imagine Huck working in his studio with multiple square canvases, applying one layer, letting it dry, setting it aside for months, and coming back later to add another. It’s a long, iterative process, and he produced quite a few paintings in this series.
THE ART EXPERT: What a fascinating conversation!
The question of superimposed layers of paint is interesting . Although we don’t normally get to see it, this is actually how all painters go about their work. For example, we do know that Gustave Courbet, who spent his final years in the region, in La Tour-de-Peilz, frequently reworked his canvases. Courbet would revisit details, maybe an arm that was too short or perhaps a closed hand that needed to be open. We can unearth such genealogy in an artwork by taking an X-ray of it, in exactly the same way that we get our lungs examined.
Alain Huck also reworks his paintings. Unlike Courbet, however, Huck lets us in on the secrets of his process. There’s no need for any infrared lamps: the drips on the edges of the canvas are enough to show us that the painting has gone through a number of lives. Indeed, this stacking of life’s moments, one on top of another, is what interests the artist. .
Alain Huck doesn’t apply paint to his canvas according to inspiration or a specific project. Instead, his rule is that life’s events: a meeting with a friend, a meal or a phrase lifted from a conversation, are what trigger fresh layers of paint. Alain Huck is no longer captain of the ship, instead leaving the evolution of his paintings down to the randomness of everyday life. In doing so, we could say that Huck strips the act of painting of its sacredness, turning it into a collective gesture that’s also repetitive and ‘’mundane’’.
Alain Huck’s series of canvases is entitled “Peintures”, a generic word that refers to the act of painting in its most impersonal form. We could say that Alain Huck’s Peinture plays with this tension. On the one hand, the painting’s varnish leaves us with the impression of transcending time without ever being disrupted. The artist uses an industrial lacquer that’s smooth and shiny, almost like the bodywork on a car. The painting could have been made by anyone. On the other hand, the drips on the canvas’s edges reveal the behind-the-scenes process, thereby placing the work very much within the painter’s personal life.
ART’S COOL, aka « art is cool »! An informal get-together around contemporary art, where curious minds meet unique artworks. Simple, right?
From time to time, ART’S COOL takes you on a “HAPPY VIEWS” experience. And that was the case today with Clélie and Lei, who conversed about the artwork “Sans titre” by Alain Huck.
These artworks form part of the Nestlé Art Collection.
Commentary on them came from René Ciocca, Head of Corporate Identity & Design at Nestlé, and Julie Enckell Julliard, Head of Cultural Development at HEAD.
With the voices of René Ciocca, Nicolas Julliard, Ellen Ichters, and Andrew Nimmo.
You can see photos of the artworks as well as portraits of the contributors from this episode at www.artscool.ch.
Concept and production by Patrick Comte, Florence Grivel, and Nadja Imhof.
English translation and narration by Andrew Nimmo.
Music and sound design by Christophe Gonet.
This episode has been produced and broadcast thanks to the generous support of Nestlé.
It’s a Young Pods production.
ART’S COOL présente « Happy Views », un voyage au cœur d’une collection d’art privée. Rejoignez-nous aujourd’hui pour explorer la Collection Nestlé! Cette collection est l’un des joyaux patrimoniaux de la région, rassemblant des œuvres d’artistes renommés du XVIe au XXIe siècle.
Aujourd’hui, Clélie et Lei entament leur voyage de découverte avec une œuvre abstraite de l’artiste suisse Alain Huck, en prêtant une attention particulière aux côtés de la toile, qui portent des traces mystérieuses.
CLÉLIE: Bonjour! Je suis Clélie, je travaille au département des Affaires Publiques chez Nestlé.
LEI: Bonjour à tous ! Je suis Lei, je viens de Chine et je travaille au développement commercial pour Nestlé Chine.
CLÉLIE: Nous nous trouvons actuellement dans le hall principal du siège de Nestlé à Vevey. Nous avons rendez-vous avec René Ciocca, responsable de l’identité visuelle et du design chez Nestlé.
LEI: C’est ça. Aujourd’hui, il va nous guider à travers le bâtiment pour découvrir deux œuvres issues de la collection d’art de Nestlé.
RENÉ CIOCCA: Bonjour, je suis René Ciocca, responsable de l’identité visuelle, du design… et aussi de la collection d’art! Je suis ravi de vous faire découvrir quelques-unes des pièces phares de cette collection. Mais d’abord, êtes-vous sensibles à l’art? Quel rôle joue-t-il dans votre quotidien chez Nestlé?
LEI: Je suis vraiment impressionnée par les œuvres présentes dans le bâtiment. Pour ceux qui ne connaissent pas le siège de Nestlé, c’est un espace immense, et je pense que sans cette collection, il manquerait quelque chose. L’art apporte de la vie et de l’énergie à nos journées.
CLÉLIE: Je vais de temps en temps à des expositions. Par exemple, j’ai vu récemment celle sur Matisse à Berne. Je ne suis pas experte, mais j’aime beaucoup découvrir, surtout quand des visites sont organisées ici, chez Nestlé.
RENÉ CIOCCA: Comme vous l’avez sans doute remarqué, il y a beaucoup d’œuvres exposées dans le bâtiment. Il y a aussi des sculptures à l’extérieur, dans les jardins, et même dans certains espaces publics. À votre avis, combien de pièces composent la collection d’art de Nestlé?
LEI: D’après ce que j’ai vu dans le bâtiment, je dirais 200? Mais j’ai entendu parler d’un sous-sol rempli d’œuvres… alors peut-être 2’000 ?
CLÉLIE: Je dirais 1’000. Je sais que la collection a été commencée il y a longtemps, mais c’est juste une estimation.
RENÉ CIOCCA: Pas mal! La collection compte environ 350 œuvres. Ce n’est pas énorme, mais c’est déjà conséquent. Certaines sont exposées ici, d’autres sont prêtées au Musée Jenisch, où elles sont accessibles au public.
Et comme vous l’avez mentionné, il y a aussi une réserve où nous conservons les œuvres non exposées. Comme nous sommes dans le hall principal, je vous propose de commencer la visite. Aujourd’hui, nous allons voir deux œuvres: l’une est conservée dans la réserve, et l’autre se trouve au cinquième étage. Suivez-moi!
Nous voici au cinquième étage, dans ce que nous appelons le bâtiment B. D’ici, on a une vue magnifique sur le bâtiment Jean Tschumi. C’est un vrai bijou architectural. Juste derrière nous, vous voyez une structure conçue en février par le cabinet Richter & Dahl Rocha. Leur idée était de cadrer le bâtiment de Tschumi comme une œuvre d’art à part entière.
Il y a ici une grande baie vitrée qui donne sur le paysage, la cour intérieure, et le bâtiment orné du drapeau suisse. Mais allons maintenant dans l’autre direction, pour découvrir la pièce exposée aujourd’hui, dans le forum.
Nous sommes devant une œuvre d’Alain Huck. Qu’en pensez-vous? Qu’est-ce qu’elle vous inspire?
LEI: Honnêtement, je ne l’avais presque jamais remarquée! Je passe par ce couloir presque chaque semaine, et je ne sais pas pourquoi, je n’y avais jamais prêté attention. Maintenant que je la redécouvre, je me rends compte qu’elle est parfaitement en harmonie avec cet espace.
CLÉLIE: Oui, c’est vraiment intéressant. Il y a deux bandes — une rouge et une plutôt orange-brun. J’aime beaucoup l’effet brillant, ça reflète la lumière des fenêtres. Et j’apprécie aussi qu’il n’y ait pas de cadre. Quand on arrive, on peut voir sur le côté des traces: je ne sais pas comment dire exactement… des marques de la peinture.
C’est une œuvre qu’on peut regarder de face mais aussi de côté. Je connais bien cet espace, et je sais qu’il y a d’autres œuvres ici, beaucoup plus figuratives. Donc j’imagine, René, que vous avez fait ce choix avec une intention particulière. D’ailleurs, ma question est : pourquoi avoir choisi cet endroit en particulier? Je sais que c’est un espace récemment rénové, donc j’imagine que vous avez bien réfléchi à son aménagement.
RENÉ CIOCCA: Oui, exactement. À chaque fois, on réfléchit à comment l’œuvre dialogue avec l’espace. Ici, il y a un mur en bois, avec des lignes verticales et horizontales et la peinture d’Huck joue aussi sur cette division en deux.
Juste à côté, il y a une œuvre d’Olivier Mosset composée de deux lignes vertes sur fond gris. Il y a donc un vrai dialogue entre les deux. Et j’aime beaucoup votre remarque: la peinture d’Alain Huck ne se regarde pas uniquement de face. Elle révèle autre chose sur les côtés. Peut-être pouvez-vous décrire ce que vous voyez de ce point de vue?
CLÉLIE: Sur le côté, on voit des couleurs différentes: du jaune, du bleu qui n’apparaissent pas du tout de face. C’est surprenant! Et je me dis maintenant: est-ce que ça veut dire quelque chose? Peut-être que le message, c’est “je te montre ce que je veux te montrer, mais il y a autre chose derrière”. C’est mon interprétation, en tout cas.
RENÉ CIOCCA: C’est une très belle lecture. Cette série d’Alain Huck est construite en couches successives. Il peint une couche, puis une autre par-dessus, et laisse volontairement visibles les traces des couches inférieures sur les côtés. Cela crée deux manières de voir l’œuvre: une frontale et une latérale.
Quand on arrive dans le couloir, on découvre d’abord le côté, qui révèle autre chose que la face principale. C’est tout l’intérêt. Et d’un point de vue technique, il utilise de la laque synthétique — comme pour les carrosseries automobiles. C’est une peinture très brillante, mais aussi très résistante.
C’est important ici, car il y a beaucoup de lumière naturelle dans le bâtiment. On doit veiller à ce que les œuvres ne soient pas abîmées par la lumière. Et dans ce cas, la peinture utilisée est non seulement à l’abri du soleil direct, mais aussi très solide, même avec un peu de lumière.
LEI : Je trouve ça vraiment intéressant, toute la technique derrière cette œuvre. Est-ce que vous pouvez en dire plus?
L’ŒUVRE: Bonjour! Je m’appelle “Sans titre”. Je suis une peinture réalisée à la laque synthétique sur toile. J’ai été créée par l’artiste suisse Alain Huck, entre 1994 et 2000. Je mesure 65 cm sur 73 cm.
CLÉLIE: C’est vraiment intrigant, cette période de création. D’habitude, on a une année, mais là, presque six ans! Est-ce qu’il a ajouté une couche chaque année? Pourquoi ça a pris autant de temps?
RENÉ CIOCCA: Très bonne question! Je ne peux pas répondre avec certitude, mais je l’imagine dans son atelier, avec plusieurs toiles carrées, ajoutant une couche, laissant sécher, les mettant de côté pendant des mois… puis y revenant. C’est un processus long et itératif. Et il en a produit plusieurs dans cette série.
LE COMMENTAIRE EXPERT: Eh bien, ces échanges sont fort passionnants!
Et c’est intéressant, cette question des couches de peinture qui se superposent. En fait, tous les artistes peintres procèdent comme ça mais en général on ne le voit pas. On sait par exemple que Gustave Courbet, qui a passé les dernières années de sa vie dans la région, à la Tour-de-Peilz, repeignait beaucoup ses toiles. Il repassait sur des détails, un bras devait être plus long, une main fermée plutôt qu’ouverte, etc. On peut découvrir cette généalogie de l’œuvre en faisant une radiographie. Exactement comme quand on le fait pour nos poumons!
Alain Huck repasse lui aussi sur sa peinture. Mais contrairement à Courbet, il laisse voir les secrets de fabrication. Pas besoin de lampe infrarouge ici, les coulures qui se trouvent sur la tranche suffisent à indiquer que la peinture a eu plusieurs vies. D’ailleurs, c’est ça qui intéresse l’artiste: empiler des moments de vie les unes sur les autres. Alain Huck n’applique pas de couleur sur sa toile en fonction de son inspiration ou d’un projet précis. Mais il fixe une règle du jeu: ce sont les événements de la vie, une rencontre avec un ami, un repas, une phrase retenue d’une conversation, etc. qui déclencheront une nouvelle couche de peinture. Alain Huck n’est plus maître à bord! Il confie aux aléas du quotidien l’évolution de son œuvre. On peut dire qu’il désacralise, de cette manière, le geste du peintre. Il en fait un geste collectif, mais aussi répétitif, “banalisé”.
La série de toiles d’Alain Huck s’appelle “Peintures”. C’est un mot générique, qui désigne l’acte de peindre dans sa forme la plus impersonnelle. On pourrait dire que la Peinture d’Alain Huck joue sur cette tension : d’un côté, il y a ce vernis, qui donne l’impression que la peinture traverse le temps sans jamais se laisser perturber. L’artiste emploie une laque industrielle. C’est lisse et brillant, presque comme la carrosserie d’une voiture! La peinture pourrait avoir été faite par n’importe qui. De l’autre, les coulures sur la tranche dévoilent les coulisses de la fabrication replacent l’œuvre dans la vie personnelle du peintre.